Caratteristiche dello spettacolo:

• adatto a teatri grandi e piccoli

Lo spettacolo si presta a:

• pubblico adulto
• stagioni di prosa come elemento di drammaturgia contemporanea
• Giornata Internazionale della Donna
• -matinée per scolaresche (scuole medie e superiori), con possibilità di discussione
  con attori e regista

Durata: 50 minuti ca
Debutto: Giugno 2015

Note di regia:
Il centro del dramma non è la storia o i personaggi che gli gravitano attorno; i protagonisti del dramma non sono gli interpreti, i loro profili psicologici, il loro carattere, è la loro ''condizione'' che rende universale il dramma.
Nora è ''tutte le donne'', suo marito ''solo un maschio''.
Il loro rapporto in bilico, sospeso, un delicato equilibrio.
Tra loro c'è una terza persona ''il sistema sociale'' che costringe- come sempre- alla resa dei conti.
Vita di Nora è un selfie di Ibsen... e ci siamo tutti dentro.

La storia:
Nora, adorata e vezzeggiata come una bambola dal marito Robert, ha un segreto; ha contratto un debito con la sig.ra Langer, falsificando la firma del padre per poter pagare le cure necessarie alla guarigione del consorte.
Quando il marito viene promosso a direttore di banca, la sig.ra Langer, dipendente nella stessa banca, ricatta Nora per ottenere una promozione.
Robert, all'oscuro di tutto, vorrebbe licenziare la si.ra Langer, che  minaccia allora di denunciare ogni cosa se Nora non otterrà di far evitare il licenziamento.
L'intervento di Nora non dà alcun esito, la sig.ra Langer mette quindi in atto le minacce inviando una lettera a Robert.
Il contenuto della lettera porta a una lite violenta.
Robert, invece di comprendere il sacrificio della moglie, la condanna bruscamente, preoccupato unicamente della sua reputazione.
L'arrivo di una seconda lettera da parte della sig.ra Langer in cui decide di mettere fine al ricatto, pentita, inverte i ruoli.
Robert, scongiurato il pericolo di uno scandalo si vede pronto a dimenticare l'accaduto ma Nora si rende finalmente conto di essere stata fino a quel momento solo un oggetto, una bambola, per il marito; decide quindi di prendere in mano la sua vita e andarsene da quella casa.

Caratteristiche dello spettacolo:

• divertente, giovane e brioso
• adatto a teatri grandi e piccoli

Lo spettacolo si presta a:

• ricorrenze come la Giornata Internazionale della Donna

• stagioni di prosa come spettacolo comico

Durata: 1h 10min senza intervallo
Debutto: giugno 2015

Note di Regia:
Che belle le donne innamorate….volano leggere per il mondo felici di ciò che portano nel cuore, non temono nulla, diventano forti e spavalde, piene di passione
Ma spesso commettono un errore: pensano che una crisi nella coppia sia impossibile, che la fiamma debba rimanere sempre accesa, forte e intensa.
Così, quando la persona che sta loro accanto dimostra improvvisamente una certa freddezza, ecco che si ribellano tentando ostinatamente di ripristinare al più presto l'atmosfera precedente.
Ma quando tutto si rivela inutile non ci si sente più donne, i mariti o i compagni sonnecchiano adagiati sul divano e non le corteggiano più. Finisce che hanno dubbi su loro stesse. Si annidano dei risentimenti che poi esplodono. La vita appare spenta ed abitudinaria. O ci si vuole vendicare di anni di tradimenti subiti.
E comunque arriva un momento dove le donne vogliono sentirsi di nuovo vive
Voi cosa fate? Vi arrabbiate e piangete tutte le lacrime di cui siete capaci? Gli mettete le valigie sul pianerottolo? Chiamate subito un avvocato?
Beh queste donne hanno avuto un’ altra idea....
hanno cercato un gigolò!
No, non giudicatele severamente; le donne non hanno bisogno di pagare un uomo per una notte di sesso, le donne pagano un gigolò perché vogliono sentirsi sedotte.
Quando una donna chiama un gigolò quello che solitamente cerca è un uomo sensibile che sappia divertirla ed ascoltarla, la donna cerca soprattutto compagnia e quella magia che ingiustamente con l'andare del tempo è andata perduta a causa di qualche ruga di troppo o della costante perdita di autostima.
Il sesso sarà solo il coronamento di una serata perfetta.

Di Molière
Regia: Marco Schiatti
Con: Claudia Giampaoli, Silvano Ilardo, Tina Borgia, Anna Cacioppo, Vincenzo Corso, Stefano LoJacono, Paolo Posa, Alessandro Fortarezza
Adattamento: Marco Schiatti, Dorotea Garozzo
Una produzione: Teatrando Produzioni 

Le note vicende di Argante e della sua ipocondria esistenziale fanno parte dell’immaginario collettivo del teatro universale. Personaggi noti e sempre da riscoprire, oggi come ieri fanno riflettere e insieme divertire. La messa in scena di Teatrando Produzioni attinge al classico e lo attualizza anche mediante libere citazioni da grandi opere cinematografiche contemporanee, che il pubblico si divertirà a svelare. 

Caratteristiche dello spettacolo:

• un classico con ritmi contemporanei
  
• divertente, giovane e brioso
  
• scenografie e costumi dall’impatto visivo contemporaneo
  
• canzoni dal vivo 

Lo spettacolo si presta a:

• tutti i tipi di pubblico
  
• stagioni di prosa come classico e comico
  
• messe in scena in luoghi non teatrali sia al chiuso che all’aperto
  
• matinée per scolaresche (scuole medie e superiori), con possibilità di discussione con attori e con un'insegnante di lettere che presenti testo, autore e contesto storico-letterario 
  

Durata: 1h 20min senza intervallo
Debutto: dicembre 2012 

Affrontare la regia del capolavoro di Molière, lo spettacolo che l’ha visto anche protagonista sulle scene proprio nella parte di Argante, è un tuffo nel mare sconfinato del teatro stesso. Classico tra i classici, commedia tra le più famose al mondo, rappresenta al tempo stesso un traguardo e un’ardita scommessa, perché dal pubblico è molto ben conosciuta e già vista in tante meritevoli messe in scena. 

Con umiltà e un poco di sfrontatezza vogliamo mettere in scena il “nostro” Malato Immaginario, perché se è vero che il teatro non ha tempo, noi vogliamo qui ed ora far rivivere il classico della commedia con il nostro mestiere, far ridere oggi come si rideva ieri, assecondando i ritmi e la sensibilità del pubblico contemporaneo. 

Il nostro “Malato” mantiene l’intreccio e i fortunati meccanismi comici dell’originale, rinnova il testo con accostamenti e citazioni comiche, unisce diversi linguaggi artistici per costruire uno spettacolo divertente, visivamente intrigante e fruibile sia da chi ci confronta con le grandi messe in scena che ci precedono, sia da chi grazie a noi si avvicina per la prima volta a un grande classico: perché il teatro è anzitutto una forma di intrattenimento prima ancora che un utile esercizio culturale." 

Marco Schiatti   

Le note vicende di Argante e degli altri personaggi che ruotano attorno alla sua ipocondria sono usate da Molière per scagliare contro la società sua contemporanea una forte ed aspra denuncia. I balletti e gli intermezzi musicali della versione originale, inseriti con lo scopo di compiacere i gusti di Luigi XIV, vengono mantenuti e attualizzati perché funzionali a quel gusto di farsa che l’autore stesso voleva dare alla sua messa in scena, per distrarre e celare ai borghesi contemporanei il contenuto a loro alquanto indigesto delle vicende trattate. Il nostro spettacolo esalta il tono farsesco del testo, spinge molto sui binari del comico e del grottesco, e unisce la recitazione al canto e al movimento per far rivivere lo spirito originario dell’opera. 

Il risultato è uno spettacolo dai ritmi e dalla comicità contemporanei, ma che al contempo esalta i caratteri classici del testo che ne hanno sempre accompagnato il successo nei teatri di tutto il mondo. 

Di William Shakespeare
Regia ed adattamento: Silvano Ilardo
Luci e fonia: Stefano Milani
Costumi: Miriam Zappa
Una produzione: Teatrando Produzioni 

La quiete di un’assolata piazza di Siviglia viene turbata dagli strepiti della irascibile Caterina che non risparmia insolenze a nessuno dei sospirosi pretendenti della soave Bianca, sua corteggiatissima sorella minore. Caterina è famosa per la sua “malalingua”, motivo di grande preoccupazione per la madre Consuelo, energica ed autoritaria, che dispera ormai di riuscire a sposarla. Solo una forza della natura “che imperversi più del tuono d’autunno quando sconquassa il cielo” potrebbe domarne la furia: una sfida avvincente per lo spocchioso Petruccio, dai modi rudi ma dalla volontà di ferro. L’incontro tra i due avviene su un simbolico ring umano, Petruccio per niente impressionato dalla superbia di Caterina, ne volge la focosità in passione amorosa. La Bisbetica cederà le sue armi di fronte a quelle più forti dell’amore; scoprendo quanto possa essere dolce abbandonarsi tra le braccia di un uomo orgoglioso e deciso par suo, e cambierà radicalmente atteggiamento. 

Caratteristiche dello spettacolo:

• Ricercata ed interessante rivisitazione di un grande classico
  
• ambientazione ed atmosfere Andaluse
  
• ritmo incalzante
  
• costumi d’epoca
  
• forte presenza coreografica 
  

Lo spettacolo si presta a:

• pubblico che ama i classici
  
• messe in scena in luoghi non teatrali sia al chiuso che all’aperto
  
• matinée per scolaresche (scuole medie e superiori), con possibilità di discussione con attori e con un'insegnante di lettere che presenti testi, autori e contesto storico-letterario 
  

Durata: 2h 15 min con intervallo
Debutto: maggio 2003
Principali piazze effettuate:

• Milano: Teatro Greco - Teatro Blu - Teatro San Babila
  
• Seregno (MB): Teatro Santa Valeria
  
• Desio (MB): Villa Tittoni Traversi
  
• Bussana Vecchia (IM)
  

I personaggi, sulla sfondo di una esaltata “mediterraneità”, sono animati da un’incontenibile energia vitale: il caldo torrido accende le passioni e infuoca gli animi. Gli attori percorrono la scena come frecce appena scoccate, conferendo allo spettacolo un ritmo incalzante; le sonorità del flamenco di Octomar Liebert e quelle andaluse di El Elebrijano avvolgenti ed intense, fanno vibrare sentimenti e corpi come corde tese. Fedeltà alla parola shakespeariana e dinamicità del movimento trovano reciproca valorizzazione; sedici coreografie accompagnano il susseguirsi delle scene, conferendo allo spettacolo un ritmo coinvolgente ed incalzante che cattura l’attenzione dello spettatore dall’inizio alla fine, in un susseguirsi di sorprese fatte di luci, suoni e colori. 

L’equilibrio fra passiva sottomissione e lieta accettazione reciproca si gioca su un impercettibile ma fondamentale confine, l’amore non è dipendenza, né ipocrisia, né debolezza: Caterina e Petruccio hanno semplicemente trovato il “loro” modo di amarsi. E d’altra parte la scelta di volgere al femminile la figura genitoriale di Caterina e Bianca, dà una connotazione nuova alla vicenda, trasportandola, pur nella fedeltà al testo shakespeariano, in una dimensione più “paritaria” e oggi a noi culturalmente più vicina. Le scaramucce tra gli uomini e le donne della “Bisbetica” diventano così un intrigante girotondo di emozioni, giocato tutto sul filo del rasoio e intriso di una sensualità coinvolgente e seducente per chi assiste. 

La vicenda è ambientata in Andalusia, caratterizzazione estrema di uno scenario latino già nella volontà dell’autore, una scelta che trasferisce ancora maggior calore e passionalità a quella che diventa la storia de “La Fierecilla Domada”.

La commedia presenta un’alternanza di registri drammatici e comici. I personaggi utilizzano spesso un linguaggio letterario molto convenzionale ed ornato; Lucenzio e gli altri parlano spesso per frasi fatte, proverbi, con riferimenti a libri, frasi italiane o citazioni latine imperfette. Dal punto di vista del linguaggio vi è anche un certo contrasto tra vecchi e giovani, padri e figli, innamorati dichiarati o nascosti. 

Originale è il tono comico-farsesco con cui Shakespeare tratta l'intreccio principale: Petruccio e Caterina possiedono una carica travolgente nei loro furibondi contrasti verbali. Ad esempio il loro primo incontro-scontro, rappresenta un grande momento di teatro perché è l'unico in cui, a parole, Caterina è alla pari di Petruccio. Il loro è un vero e proprio match di battute, frecciate e sottointesi. Essi parlano un linguaggio diretto, spontaneo, irriverente ed arguto, che contrasta con le false ipocrisie dei discorsi di Bianca e tutti gli altri. 

Se il tono ironico domina la commedia, non dobbiamo dimenticare che è proprio il momento finale che riporta la concentrazione e fa da contrappunto patetico: frustrata prima, quando era bisbetica, e dopo, quand’è domata, Caterina paga il prezzo di un’educazione e di una rigidità sociale ingiuste. 

Di Carlo Goldoni
Regia: Aldo Masella
Con: Silvano Ilardo, Dorotea Garozzo, Massimiliano Sala, Marco Schiatti, Vincenzo Leoni, Alessandro Predari
Luci e fonica: Chiara Currà
Una produzione Teatrando Produzioni in collaborazione con Centro Studi Coreografici del Teatro Carcano di Milano 

Sullo stesso soggetto Goldoni si era già cimentato sessantacinque anni prima Moliere, regalandoci uno spettacolo in tre atti nel quale cominciavano a trapelare i temi di quella riforma dettatagli dalla grande lezione della commedia dell’arte. In questa riscrittura esaurisce il suo intervento sul tema in un solo atto, chiamando in causa, come accade nell’omonima pièce di Molière, il tipo dell’avaro smanioso di conservare, se non di accrescere, il proprio patrimonio. 

Ambrogio si sostituisce ad Arpagone ed anch’egli mira a impalmare una giovinetta. Donna Eugenia, la protagonista goldoniana, è la giovane vedova del figlio di Ambrogio fatta segno della spietata corte di tre gentiluomini. Il primo, il conte Filiberto Dell’Isola, il secondo, il cavaliere Costanzo degli Alberi, il terzo, Don Fernando, un nobile studente mantovano.

Il vecchio vorrebbe accasare la nuora ma senza rimetterci il patrimonio cui ella ha diritto come dote. Tra i tre pretendenti è solo il giovane Don Fernando che si dichiara disposto a rinunciare alla congrua fortuna della vedova. 

Ma l’estrema giovinezza non depone a suo favore e Ambrogio già dispera di liberarsi della costosa ospite quando il cavalier Dell’Isola propone una soluzione che accontenta tutti. La dote resti nelle mani dell’anziano suocero, ma lo stesso s’impegni, alla sua morte, a lasciar erede di ogni suo bene donna Eugenia.

Lo scaltro stratagemma fa propendere la preferenza della giovane per il cavaliere e gli altri si accontentino, sostiene il furbo pretendente, di essere considerati ospiti graditi quando avranno voglia di venire a far visita a lui e alla sua avvenente consorte. 

Caratteristiche dello spettacolo:

• ricercato valore letterario del testo
  
• messa in scena classica, curata e rispettosa dei canoni originali 
  

Lo spettacolo si presta a:

• tutti i tipi di pubblico
  
• stagioni di prosa come elemento di drammaturgia classica 
  

Durata: 1h 15min senza intervallo
Ripresa: ottobre 2010
Principali piazze effettuate:

• Milano: Teatro Carcano
  
• Saronno: Teatro Giuditta Pasta 
  

“La natura ben osservata è assai più ricca di tutte le combinazioni della fantasia”. Questo era il pensiero di Goldoni ed infatti l’arte, per lui natura, andava onorata accantonando tutto ciò che di artificioso, ipotetico, soprannaturale, declamatorio e convenzionale intervenisse ad inficiarne l’alto significato nel contesto della cultura del suo tempo.

La lezione della commedia che aveva entusiasmato Molière, lo impressionò, ma lo rese anche guardingo poiché poco si confaceva, alla sua ordinata maniera di rendere le cose, quel divagare “a soggetto” che fu a lungo patrimonio dei commedianti.

Ed è in questa continua ricerca di equilibrio che opera la regia di Aldo Masella, attento a non far prevalere il Goldoni piacevolmente scosso dai leziosismi che provenivano dalle farsacce venete e da quelle geniali impennate del “teatro all’improvviso” che imperava a Napoli.

Ma attenzione. Goldoni, lo sanno tutti, è un pericoloso percorso anche per i maratoneti più agguerriti e Masella, che ha più volte posta la sua firma alla regia di questa deliziosa commedia, ipotetica, anche questa volta, il divertito consenso del pubblico. 

Aldo Masella è regista, giornalista, direttore della scuola di teatro del Teatro Carcano di Milano. Già titolare della cattedra di Arte Scenica e Letteratura Poetica e Drammatica al Conservatorio Giuseppe Verdi di Milano sezione di Como, è nato a Napoli ed affianca ad un'intensa attività di scrittore, quella di regista teatrale e lirico nei principali teatri italiani e stranieri. Per diversi anni è stato critico musicale sulla pagina napoletana del Tempo ed ha collaborato con altri quotidiani quali IL ROMA ed IL MATTINO di Napoli e con settimanali dei gruppi Rizzoli e Rusconi. 

Nella sua attività di regista ha firmato numerosi spettacoli andati in scena in prestigiosi teatri tra cui il Teatro san Carlo di Napoli, il Teatro dell’Opera di Roma, l’Arena di Verona, il Teatro regio di Torino. 

Di Carlo Goldoni
Regia: Marco Schiatti
Con: Cinzia Farina, Manuela Caspani, Matilde Dondena, Marco Schiatti, Daniele Giulietti, Vincenzo Corso, Simone Lombardo
Riscrittura drammaturgica: Marco Schiatti, Dorotea Garozzo
Luci e fonica: Chiara Currà
Scenografie: Lorena Beretta / Costumi: Miriam Zappa
Una produzione: Teatrando Produzioni 

La Locandiera, forse la commedia più rappresentativa di Goldoni e certamente la più rappresentata, vanta una lunga lista di successi di pubblico, grazie al brio che la caratterizza, al ritmo vivace, ai personaggi ricchi di sfaccettature e alla comicità schietta e, proprio per questo, ancora attuale. Il magistrale intreccio di situazioni, personaggi e avvenimenti ha affascinato il pubblico in ogni tempo, ed è la sua qualità teatrale che vince e appassiona lo spettatore di epoche e contesti differenti. Infatti si tratta di uno dei pochi testi italiani che hanno conquistato il pubblico anche quando tradotti in lingue straniere. Mirandolina, donna intraprendente, moderna e allegra, i suoi nobili spasimanti, ridicoli nelle loro profferte d'amore e nei continui screzi, le due commedianti, pompose e irresistibilmente divertenti, il servitore Fabrizio, pratico e spontaneo, infine lo sprezzante cavaliere, che si rivela il più vulnerabile alle arti di seduzione della bella Locandiera, danno vita a una vicenda che non conosce oblio. 

Caratteristiche dello spettacolo:

• un classico con ritmi contemporanei
  
• divertente, giovane e brioso
  
• scenografie e costumi dall’impatto visivo attuale ed insieme evocativi dell’epoca 
  

Lo spettacolo si presta a:

• tutti i tipi di pubblico
  
• stagioni di prosa come classico e comico - ricorrenze come il Carnevale e la Giornata Internazionale della Donna
  
• messe in scena in luoghi non teatrali sia al chiuso che all’aperto
  
• matinée per scolaresche (scuole medie e superiori), con possibilità di discussione con attori e con un'insegnante di lettere che presenti testo, autore e contesto storico-letterario
  
• ricorrenze legate all'autore: 25/2/1707 - 6/2/1793
  
• rassegne e festival goldoniani 
  

Durata: 1h 20min senza intervallo
Debutto: ottobre 2009
Principali piazze effettuate:

• Milano: Teatro Blu
  
• Seregno (MB): Teatro Santa Valeria
  
• Desio (MB): Teatro Il Centro 
  

"Affrontiamo la Locandiera con il rispetto per un grande classico del teatro, da cui reimparare i meccanismi che del teatro costituiscono la fortuna in ogni tempo; con l'amore per personaggi e vicende che non hanno epoca; con l'irriverenza di giovani che vogliono misurarsi con i grandi testi teatrali rileggendoli alla luce del nostro modo di fare teatro. 

Per noi la Locandiera è una scatola magica, che con la sua parola ariosa, il ritmo allegro, le atmosfere leggere e divertenti ci conduce con semplicità fuori dal tempo e ci fa respirare un teatro senza età. Scene e luci sono fondali su cui prendono vita personaggi pittorici e dalle tinte forti, veri e sinceri per restituirci l'energia vitale di un grande testo comico. La scelta di mantenere l'ambientazione originale del testo sottolinea per contrasto la contemporaneità delle situazioni e dell'intreccio, e ricrea le atmosfere licenziose e seducenti che sono alla base dello sviluppo drammaturgico. Nella Locandiera non c'è amore ma attrazione e seduzione, non ci sono personaggi ingenui ma tutti ben consci di quello che vogliono e di come ottenerlo. 

Lo studio dell'azione fondamentale del testo e dei singoli personaggi, il loro sviluppo nel corso della commedia sono state la guida costante del lavoro con gli attori e il riferimento che ci permette di rileggere questo grande classico con i ritmi contemporanei, con l'intento di offrire al pubblico uno spettacolo comico, divertente e pieno di vitalità". 

Marco Schiatti   

Due gli interventi fondamentali sul testo: recuperare la contemporaneità della lingua, togliendo il sapore di antico che certe espressioni di Goldoni inevitabilmente hanno alle nostre orecchie di spettatori contemporanei, e sfrondare l’intreccio da alcuni indugi nel procedere della linea d’azione principale, che erano giustificati da una sensibilità teatrale e recitativa distante da quella odierna. L’obiettivo è far ridere i contemporanei come l’originale faceva ridere all’epoca della sua prima scrittura, nel rispetto dell’essenza dei personaggi e delle situazioni: interventi lievi, nel rispetto dell’azione teatrale che sta alla base del testo classico. 

Fedeli alla linea registica, scenografie e costumi discendono dalla volontà di richiamare elementi classici con gusto contemporaneo. La scenografia è composta da elementi monodimensionali che variamente disposti nello spazio nel corso della commedia lo modificano e suggeriscono le diverse ambientazioni, mentre l’elemento scenografico centrale della prima parte dello spettacolo è un divano rosso, simbolo di femminilità e trasposizione del concetto stesso della locanda come luogo di incontri e sfondo di vicende amorose. Gli stessi elementi scenici vengono utilizzati per costruire la lavanderia che è l’ambientazione della seconda parte dello spettacolo, in pochi e semplici passaggi. I vari cambi scena avvengono tutti a vista del pubblico, ad opera degli stessi attori e permettono agli spettatori di essere a diretto contatto con i meccanismi del gioco teatrale e mantenere l’unità di tempo del testo originale.

I costumi riprendono le linee settecentesche con colori, fogge e tessuti contemporanei. La scelta cromatica privilegia il bianco e il nero come fondo, con tocchi di rosso che rappresentano l’elemento femminile che muove la vicenda e che come un filo nascosto lega i diversi personaggi all’abito rosso acceso di Mirandolina. 

Di William Shakespeare
Regia: Gustavo La Volpe
Con: Gustavo La Volpe, Roberta Nanni, Valentina Grancini, Elisa Campoverde, Francesco Bernava, Andrea Bonati, Silvano Ilardo, Silvia Beillard, Giuliano Turone, Marco Schiatti, Davide Sormani, Daniele Giulietti, Marco Ottolini
Luci: Nicolò Leoni
Fonia: Francesco Vocaturo
Attrezzisti: Mirko Paschetto, Chiara Currà
Responsabile di produzione: Chiara Ilardo
Ufficio stampa: Manuela Caspani
Una produzione: Teatrando Produzioni 

Un grandissimo dramma, una bellissima storia, una realizzazione superba: tutto questo rende bellissima quest'opera che, nella produzione del grande autore inglese, riesce a svettare per imponenza delle tematiche e sublimità poetica.

Caratteristiche dello spettacolo:

• atmosfera barbara e precristiana
  
• testo classico
  
• messa in scena dal forte impatto visivo ed emozionale 
  

Lo spettacolo si presta a:

• pubblico maturo
  
• stagioni di prosa come elemento di drammaturgia classica 
  

Durata: 2h con intervallo
Debutto: ottobre 2008
Principali piazze effettuate:

• Milano: Teatro Blu
  
• Seregno (MB): Teatro Santa Valeria
  
• Bovisio Masciago (MB): Teatro La Nuova Campanella
  

Più leggevo Re Lear e più mi sentivo sprofondare come inghiottito dalle sabbie mobili. Si, perché la sabbia, la terra nuda è lo spazio in cui vive l’opera, la nuda terra sulla quale ci dibattiamo noi protagonisti di questa ”grande farsa senza significato che è la nostra esistenza”, per adoperare una terminologia beckettiana. Ma qualcosa invece mi faceva sentire immerso in un immenso oceano, schiacciato dalla vastità, disperato naufrago sulla zattera delle mie poche certezze. Tra queste l’assoluta coscienza di affrontare la più grande, ricca e vasta opera shakespeariana. 

Vi sono molteplici linee narrative nel Re Lear che partono dalla storia parallela,discutibilmente definita secondaria di Gloster, per intrecciarsi poi in un unicum narrativo. Ma ciò che spaventa e affascina al tempo stesso è la quantità smisurata di tematiche che sono presenti in questo testo. L’autore ci presenta la nostra vita in tutti i suoi aspetti, chiedendosi in sintesi qual è il significato di questo viaggio dalla culla alla tomba. Su questo abbiamo cercato di interrogarci con gli attori e partendo dalle domande sul perché siamo giunti a chiederci del come. 

La regia in particolare ha voluto mettere in risalto il senso del barbaro, in termini alessandrini, cioè di stranieri all’interno della propria famiglia, l’assoluta cecità, ed il senso del possesso/potere. Tutti temi che, grazie alla straordinaria capacità di Shakespeare di essere oltre lo spazio ed il tempo, sembrano essere gli ingredienti di una tragedia scritta oggi. Le scelte sull’ambientazione e i costumi sono indirizzate al preciso intento di non collocare ed identificare un periodo preciso,se non un’atmosfera di carattere precristiano con voluti salti temporali ed anacronismi che riflettono le indicazioni di scrittura dell’autore stesso. Peter Brook ha definito questo capolavoro della letteratura mondiale, alla prima lettura della sua compagnia, “una montagna la cui cima non è stata ancora raggiunta”; forse non lo sarà mai, intanto noi proviamo ad arrampicarci e più saliamo più respiriamo aria che ci fa bene. 

Gustavo La Volpe 

Di William Shakespeare
Regia: Silvano Ilardo
Musiche dal vivo: Percussioni - Andrea Quattrini
Con: Claudia Giampaoli, Daniele Giulietti, Laura D'Auria, Matilde Dondena, Stefano Lo Jacono, Valentina Grancini, Vincenzo Corso
Con la partecipazione di: Miriam Pilotto, Emanuel Grassi
Coreografie: Silvano Ilardo
Attrezzisti: Giulia De Lorenzi
Responsabile di palcoscenico: Chiara Currà
Responsabile di produzione: Irene Zappalà
Ufficio stampa: Manuela Caspani
Una produzione: Teatrando Produzioni 

Straordinarie suggestioni di luci e colori e suoni, costumi atemporali , un cast di ottimi interpreti per una delle commedie più celebri, affascinanti e misteriose di Shakespeare. Il “Sogno di una notte di mezza estate” è un capolavoro di equilibri, tra magia e realtà, amore e tradimento.

Caratteristiche dello spettacolo:

• adatto a teatri e a spazi non teatrali in cui il pubblico può anche circondare la messa in scena a distanza ravvicinata
  

Lo spettacolo si presta a:

• tutti i tipi di pubblico
  
• stagioni di prosa come elemento di drammaturgia classica 
  

Durata: 1h 30min senza intervallo
Debutto: giugno 2008
Principali piazze effettuate:

• Milano: Teatro Blu
  
• Seregno (MB): Teatro Santa Valeria
  
• Seregno(MB): Teatro Sant'Ambrogio
• Bovisio Masciago (MB): Teatro La Nuova Campanella
  
• Desio (MB): Paladesio
  
• Desio(MB): Villa Tittoni Traversi

La notte di mezz’estate è una notte magica e il titolo ne svela immediatamente l’atmosfera onirica, irreale in cui Shakespeare rivela la sua libertà di fantasia. Per una strana alchimia, nell’opera si fondono quattro trame diverse, mettendo nel cocktail tutto quello che ci dovrebbe stare: la comicità rappresentata dalla commedia di Tacchia e degli altri commedianti; l'Amore visto attraverso la storia intrecciata delle due coppie di giovani amanti: Lisandro, Ermia, Demetrio e Elena. L’ordine e la moralità impersonata da Teseo e Egea e la Fantasia favolistica che si scatena con Titania, Puck e Oberon. 

Il testo classico è stato riadattato in modo da renderlo moderno ed ancora più coinvolgente, fatto non solo di parola , ma arricchito di tutti quegli elementi in grado di stimolare tutti i sensi del pubblico.

Il gioco di luci , le sonorità suonate dal vivo da un percussionista in scena, le coreografie tribali, catturano sin dall’inizio lo spettatore in un ‘atmosfera da “ sogno” e “ mitica” , dove la scenografia sarà rappresentata dagli stessi attori sempre in scena. L’entrata nel “bosco magico” si trasforma nel viaggio verso l’iniziazione all’amore. L'Amore, che in ogni dimensione, con i suoi guasti ed il suo essere volubile, ci fa diventare ciechi, poi rinsavire, ed accecare di nuovo a suo piacimento senza logica o giustificazione plausibile. Amore che dà tristezza e malinconia e che sempre e comunque ci ammalia e ci imbroglia. 

Di Slavomir Mrozek
Regia: Silvano Ilardo
Musiche: Goran Bregovich, Taraf De Haidours, Kocani Orkestar
Con: Silvano Ilardo, Marco Schiatti
Scenografie: Silvano Ilardo
Responsabile di produzione: Chiara Ilardo
Ufficio stampa: Manuela Caspani
Una produzione: Teatrando Produzioni

.......quasi una seconda patria!   

“Un treno, una valigia con poche cose e il profumo della propria terra nel naso e nella testa... come ogni separazione anche quella dalla propria patria è una ferita su cui ogni emigrante continua a respirare. Intere famiglie, interi paesi, si spostano alla ricerca di un lavoro, di una casa, di una nuova felicità. Riscattare la propria vita al prezzo non solo della lontananza, ma, spesso, al prezzo di un ritorno che non si darà mai. Eppure non sono la disperazione o la tristezza a vivere l’emigrante, non solo, c’è la rabbia della fatica, la gioia della fatica e l’ironia di chi sa cosa sa!

Approdai a Milano giovanissimo avevo sei anni. Transitai da Milano come profugo della Tunisia nel lontano 1962 per essere smistato a Novara in un campo profughi in attesa di destinazione...

Il mio viaggio nella vita si è sempre intrecciato in un modo misterioso e continuo, vorrei dire insondabile, con la capitale lombarda, viaggi e visite brevi, fughe. Ma l'arrivo a Milano è l'arrivo, nella sua stazione, era ed è sempre emozionante. Avevo sempre un rispetto timoroso quando entravo in questa grande pancia ed aspettavo con un’attenzione smisurata lo stop. Oggi mi si presenta la possibilità di rivivere un emozione sicuramente forte come i ricordi, e mi sorprendo nel pensare di essere attore emigrante proprio nel luogo che mi generò come “Emigrante".

Silvano Ilardo (un emigrante) 

Caratteristiche dello spettacolo:

• adatto a teatri e a spazi non teatrali in cui il pubblico può anche circondare la messa in scena a distanza ravvicinata
  

Lo spettacolo si presta a:

• tutti i tipi di pubblico
  
• stagioni di prosa come elemento di drammaturgia contemporanea
  
• Giornata Internazionale dell’immigrato 
  

Durata: 1h 10min senza intervallo
Debutto: ottobre 2001
Principali piazze effettuate:

• Milano: Teatro Greco, Teatro Blu
  
• Seregno (MB): Teatro Santa Valeria
  
• Nova Milanese (MB): Auditorium Comunale
  
• Bovisio Masciago (MB): Teatro La Nuova Campanella
  
• Apiro (MC): Teatro G.Mestica
  
• Como: Teatro Sociale
  

Aa e Xx, anonimi personaggi che potrebbero essere identificati come profughi dell’Est (ma si noti l’uso del condizionale), consumano le loro vite in un angusto sottoscala dal quale il mondo esterno- la società che li ospita, simboleggiata dal sovrastante condominio- può solo essere ascoltato e vagheggiato. Personaggi opposti quanto complementari anche nei loro curiosi paradossi caratteriali- l’uno operaio ma strenuo sognatore, l’altro intellettuale ma partigiano del concreto- i due si incontrano e si scontrano sulla scena in un susseguirsi di battute serrate, a volte alleggerite dagli interventi dei danzatori e da picchi d’inattesa comicità, altre volte rese profondamente drammatiche da scorci di toccante umanità travolta dall’incomunicabilità e dalla solitudine. Il ritmo- inizialmente e intenzionalmente lento- si fa sempre più battente, in un’escalation che trasporta inconsapevolmente lo spettatore conducendolo ad allearsi emotivamente ora con l’uno, ora con l’altro personaggio, fino a sorprendersi ad ammettere in sé il disagio che tutti possiamo talvolta sperimentare nello scoprirci soli ed estranei al tempo o al luogo delle nostre esistenze. 

La distinzione fra palcoscenico e platea è più volte violata nel corso dello spettacolo per via di alcune interazioni con il pubblico. Un travolgente atto unico, capace di divertire , commuovere e far riflettere sul comune destino di protagonisti delle nostre storie interiori come semplici ospiti, più o meno graditi, del tempo e del contesto in cui viviamo. Incredibile ed avvincente per i suoi contenuti attualissimi,questo allestimento che rappresentiamo da dieci anni ininterrottamente è diventata la bandiera della Compagnia, ed in ogni teatro il successo è innegabile. Porta ancora spettatori affezionati che tornano per rivederlo più volte. Un vero ritratto generazionale. 

Sławomir Mrożek (Borzęcin, 29 giugno 1930) è uno scrittore polacco. Scrittore abilissimo di feuilleton satirici comincia a scrivere per il teatro dal 1958. Un tipico rappresentante di quegli intellettuali che assistono al disfacimento culturale. Il suo è un teatro palesemente lontano dalla vita quotidiana: "Qualsiasi cosa si svolga sulla scena ha un inizio e una fine, e soprattutto non ha alcuna conseguenza: l'esatto opposto di quanto accade nella realtà, dove ogni azione ha effetti che più si allontanano, meno sono prevedibili, tanto da risultare imponderabili". Spesso visto come un drammaturgo del "teatro dell'assurdo" caratteristica che è vera solo per la sua primissima produzione. Nel tempo si avvicinerà sempre più alla poetica di Witkiewicz e Gombrowicz. 

Di Piero Olivieri
Regia: Marco Schiatti
Con: Marco Schiatti, Daniele Giulietti, Silvano Ilardo
Assistente alla regia: Matilde Dondena
Luci e fonica: Francesco Vocaturo 
Scenografie: Caterina Zottola
Assistente di scena: Chiara Currà
Responsabile di produzione: Irene Zappalà
Ufficio stampa: Manuela Caspani
Una produzione: Teatrando Produzioni 

Due gangster. Un uomo d’affari. Una proposta. Quale sarà la scelta?

Nessuno è in grado di dire dove comincia e dove finisce un cerchio: ogni momento è buono per iniziarlo e per concluderlo, perché gira perennemente su se stesso, con i suoi protagonisti e i loro dubbi, le loro scelte. Due rapinatori, professionisti del crimine, escono illesi per miracolo da una rapina, braccati dalla polizia si rifugiano nel loro covo. Il telefono, da anni fuori uso, dimenticato in un angolo, inizia a squillare, insinuando il sospetto. Chi è in grado di far riattivare una linea telefonica? Qualcuno ha tradito. Ma un ambiguo personaggio offe loro la salvezza - oltre a un mucchio di soldi - in cambio di un 'piccolo' favore. Tutta la situazione diventa improvvisamente troppo familiare per non essere già stata vissuta. Una storia dell'assurdo con forti tinte di giallo dove, come nella vita reale, la distanza tra bene e male diventa indefinibile...come l'inizio e la fine di un cerchio. 

Caratteristiche dello spettacolo:

• testo di giovane autore italiano contemporaneo
  
• un thriller d’azione 
  

Lo spettacolo si presta a:

• tutti i tipi di pubblico
  
• stagioni di prosa come elemento di drammaturgia italiana contemporanea
  

Durata: 1h senza intervallo   

"Nella mia attività di regista, amo ricercare testi contemporanei da portare all’attenzione del pubblico. Spesso leggo autori italiani ma raramente mi capita di trovare copioni vicini al mio tipo di lavoro, ispirato allo sviluppo dell’azione teatrale più che alla letterarietà della parola. Cerco testi da rappresentare più che da leggere. Spesso trovo ciò che cerco nel teatro francese o anglosassone i cui autori usano la parola in modo asciutto e funzionale allo sviluppo dell’azione. E’ una felice eccezione il lavoro di Piero Olivieri, non a caso attore e regista prima che autore, nel cui lavoro ritrovo echi di Pinter e Paravidino. “Corto Circuito” intreccia la gangster story, la lotta tra Bene e Male, il tema del libero arbitrio, e presenta un’azione che inizia proprio dove sembra finire, con diverse assonanze con la cinematografia contemporanea. 

Esalto nella messinscena questi elementi, giocando con la memoria visiva e uditiva del pubblico, per realizzare una sorta di “action movie” dal vivo, e far riflettere divertendo, come il teatro deve saper fare.

Marco Schiatti   

Piero Olivieri si avvicina al mondo del teatro frequentando un corso triennale di recitazione presso il “vecchio” teatro Dafne di Ostia ed inizia a partecipare a diversi spettacoli, sia per bambini che per adulti (La macchina infernale, Amadeus, Amphitrionix, La palla al piede, Dieci piccoli indiani, L’ospite inatteso, Camere da letto, Gastone, L’Hotel del libero scambio, Assassinio sul Nilo e molti altri ancora). La sceneggiatura di Corto Circuito è nata da un racconto con il quale l’autore ha vinto un concorso organizzato dal Centro Studi Mediterraneo e, vista la sua passione per il teatro, ha voluto portare sul palcoscenico. 

Nel 2010 il testo è stato selezionato per la “Rassegna di drammaturgia moderna europea” al Teatro Stabile di Genova, per la regia di Alessandra Schiavoni.

Tradotto in spagnolo è attualmente in turnè in Argentina e nei paesi sudamericani, con la regia e l’interpretazione dell’autore.